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10 musicales que nunca nos cansamos de ver (y cantar)

14 abril 2020

Cantando bajo la lluvia es la protagonista de la noche del martes 14, a las 22:00h, en Canal Hollywood. Aprovechamos la emisión de este mítico musical para hacer un repaso por diez títulos donde la música es lo principal.

 

 

  • Cantando bajo la lluvia (Stanley Donen y Gene Kelly, 1952)

La segunda película codirigida por Stanley Donen y Gene Kelly, después de Un día en Nueva York (1949), se trata de una de las obras maestras del cine musical de Hollywood. La película está protagonizada por Gene Kelly, Donald O’Connor y Debbie Reynolds los cuales tuvieron que soportar las exigencias del primero, director del filme junto a Stanley Donen, porque no quería que la película tuviese el más mínimo fallo. El rodaje fue verdaderamente duro, sobre todo para Donald O’Connor en las escenas musicales ya que fumaba cuatro paquetes de tabaco diarios y acababa muy agotado; todo esto sumado al pánico de cometer algún error y soportar la bronca de Gene Kelly. Considerada como la mejor película musical por el American Film Institute, Cantando bajo la lluvia fue un gran éxito comercial, incluso en los años posteriores, y en los Premios Oscar tuvo dos nominaciones: actriz secundaria (Jean Hagen) y mejor banda sonora; curiosamente los temas musicales se compusieron antes de escribir el guion, y los guionistas tuvieron que crear una trama que tuviera sentido con las canciones. Cantando bajo la lluvia se emite este martes 14 a las 22:00h.

 

  • Ha nacido una estrella (George Cukor, 1954)

Si hay una película musical que ha tenido varios remakes de éxito a lo largo de las décadas esa es, sin duda, Ha nacido una estrella. En 1954 George Cukor se encargó de dirigir el remake de la versión homónima de 1937 dirigida por William A. Wellman. Para protagonizar esta historia decidió rescatar a Judy Garland, que llevaba algunos años sin aparecer en pantalla, pieza fundamental del cine musical del Hollywood clásico, y consiguió sacar lo mejor de la actriz, que no estaba en su mejor momento y se puso varias veces enferma durante el rodaje. En los Premios Oscar (donde el filme tuvo seis nominaciones) estuvo nominada a mejor actriz pero no se llevó el premio, algo que Groucho Marx calificó como un auténtico robo. Para el papel de actor alcohólico que descubre a la joven promesa (el papel de Judy Garland) George Cukor pensó en Humphrey Bogart, Marlon Brando, Montgomery Clift, Gary Cooper, Cary Grant o Tyrone Power pero todos lo rechazaron y finalmente escogió a James Mason. La película costó cinco millones de dólares, ya que la Warner Bros quiso que fuera una gran producción para así publicitar al máximo el gran regreso de Judy Garland al cine.

 

  •  West Side Story (Robert Wise y Jerome Robbins, 1961)

En 1961 Robert Wise y Jerome Robbins adaptaron al cine West Side Story que había sido todo un fenómeno en el teatro desde su estreno en 1957, bajo la dirección del propio Jerome Robbins, el director solo puso como condición para trabajar en la película el poder dirigirla, pero el productor no se atrevía a darle esa tarea al completo y llegaron a un acuerdo: solo dirigiría las escenas musicales y Robert Wise todo lo demás; tras varias disputas, por rodar demasiadas tomas que se salían del presupuesto establecido, Jerome Robbins fue despedido. Elvis Presley se negó a protagonizar la película, en el rol de Tony que finalmente hizo Richard Beymer (que no quedó demasiado contento con su papel) y Audrey Hepburn también rechazó, al estar embarazada, el papel de María interpretada por Natalie Wood, que curiosamente no tuvo una buena relación con Richard Beymer durante el rodaje. De 11 nominaciones en los Premios Oscar, West Side Story (que en Latinoamérica se tituló Amor sin barreras), obtuvo 10 estatuillas: mejor película, dirección, actor de reparto (George Chakiris), actriz de reparto (Rita Moreno), dirección artística, música, sonido, vestuario, fotografía y montaje.

 

  • Mary Poppins (Robert Stevenson, 1964)

Julie Andrews no estaba muy convencida de aceptar el papel de Mary Poppins, para el que actrices como Bette Davis o Angela Lansbury eran firmes candidatas, que supuso uno de los más recordados de toda su trayectoria, ya que estaba pendiente de que la cogieran para protagonizar My Fair Lady (George Cukor, 1964), otro musical destacado, que finalmente le quitó Audrey Hepburn. Al final Disney tuvo que esperar a que Julie Andrews, una vez aceptado el papel, diera a luz para iniciar el rodaje de la película con la que consiguió el Oscar a mejor actriz. Para Dick Van Dyke es la mejor película de toda su filmografía pero en un principio no quedó contento con cómo había desarrollado el papel de Bert (que rechazaron interpretar Fred Astaire y Cary Grant); la revista Variety destacó las escenas musicales protagonizadas por Julie Andrews y, sobre todo, Dick Van Dyke. En la temporada de premios se valoró la interpretación de Julie Andrews (ganó también el BAFTA a mejor promesa del cine) pero también la banda sonora, el montaje y los efectos especiales; todas estas categorías recibieron el Oscar.

 

  • Cabaret (Bob Fosse, 1972)

Cabaret fue la adaptación cinematográfica del musical homónimo de Broadway dirigida en 1972 por el también actor estadounidense Bob Fosse (después de que el proyecto se le ofreciera a directores como Gene Kelly o Billy Wilder). Para el papel principal, el de Sally Bowles, se pensó en actrices como Jane Fonda, Glenda Jackson, Barbra Streisand, Natalie Wood o Julie Andrews pero finalmente la elegida fue Liza Minnelli, que había sido rechazada en la producción de Broadway y así tuvo la oportunidad de cantar por primera vez en cine. Bob Fosse le arrebató a Francis Ford Coppola el premio a mejor director en la gala de los Oscar de 1973 y es que Cabaret consiguió 8 estatuillas: mejor dirección, actriz, actor de reparto (Joel Grey), fotografía, banda sonora, montaje, dirección artística y sonido; tan solo faltó el de mejor película que ese sí fue para El Padrino. En su día se comentó que quizá el premio a mejor actriz para Liza Minnelli era una especie de deuda pendiente con su madre Judy Garland que nunca llegó a recibir tal reconocimiento.

 

  •   Grease (Randal Kleiser, 1978)

Adaptación del musical de principios de la década de los 70 que, a su vez, estaba ambientado en los años 50. Dirigida por Randal Kleiser, la película sorprendió por su casting lleno de rostros adultos ya que para nada parecían estudiantes de instituto: John Travolta tenía 23 años; Olivia Newton-John, 29; Stockard Channing, 33 o Jeff Conway, 26. En un principio Olivia Newton-John no quería participar en la película hasta que John Travolta fue a su casa y la convenció; tampoco fue la primera opción para interpretar a Sandy, ya que Randal Kleiser estaba interesado en que lo hiciera Carrie Fisher. El presupuesto tan solo era de 6 millones de dólares y las expectativas de éxito eran bajas por lo que fue una absoluta sorpresa el éxito que obtuvo: recaudó casi 400 millones de dólares siendo, durante un tiempo, la tercera película más taquillera de la historia (detrás de Tiburón y Star Wars: Episodio IV – Una nueva esperanza). En los Oscar estuvo nominada a mejor canción (Hopelessly devoted to you) y en los Globos de Oro tuvo cinco nominaciones: entre ellas la de mejor película comedia/musical.

 

  • Moulin Rouge (Baz Luhrmann, 2001)

La película dirigida por Baz Luhrmann en 2001 supuso una vuelta al cine musical, y espectacular, en Hollywood y la respuesta del público fue muy positiva ya que la cinta recaudó casi 180 millones de dólares (de un presupuesto de unos 52 millones). Para protagonizar el largometraje se escogió a Nicole Kidman y Ewan McGregor pero no fueron las primeras opciones: para el rol de Satine se pensó también en Catherine Zeta-Jones, Kate Winslet, Hilary Swank o Renée Zellweger y para el papel de Christian sonaron nombres como Hugh Jackman, Heath Ledger o Jake Gyllenhaal. Un accidente en el rodaje hizo que Nicole Kidman se fracturara dos costillas y una rodilla mientras ensayaba un número de baile: eso provocó que algunas escenas se grabaran solo de cintura para arriba. Después de La Bella y la Bestia, en 1991, Moulin Rouge fue el siguiente título musical en estar nominado a mejor película en los Oscar, aunque la película, de un total de ocho nominaciones, solo ganó en las categorías de vestuario y dirección artística.

 

  • Los miserables (Tom Hooper, 2012)

La adaptación cinematográfica del musical de Los miserables (basado en la novela homonima de Victor Hugo), estrenado en 1980 en París, se pensó desde finales de la década de los 80 pero no fue hasta 2010 cuando el proyecto se decidió poner en marcha por parte de Universal Pictures: se contactó a Tom Hopper para dirigirla y a William Nicholson para que desarrollara el guion y ya en 2011 se escogió el reparto y comenzó el rodaje. La principal característica que destaca del filme es la decisión de que los actores cantaran en pleno rodaje para que así todo fuera mucho más espontáneo, de esta forma la música dependía del ritmo de cada actor y no al revés: no depender de una música ya establecida y grabada. En los Premios Oscar, Los miserables tuvo ocho nominaciones y recibió tres premios: maquillaje, sonido y mejor actriz de reparto para Anne Hathaway, al igual que en los Globos de Oro donde la película también recibió el premio a mejor musical y el de mejor actor para Hugh Jackman.

 

  •  La ciudad de las estrellas (La La Land) (Damien Chazelle, 2016)

Aunque Whiplash (2014) fue su película más autobiográfica, Damien Chazelle aseguró que también había cosas de él en La ciudad de las estrellas, La La Land (2016) sobre todo en la necesidad de mudarse a Los Ángeles y encontrar el equilibrio entre la realidad y lo que anhelaba como director; sensaciones parecidas se muestran en los personajes principales: Mia es actriz (Emma Stone) y Sebastian, pianista (Ryan Gosling). Los primeros actores que tenía en mente fueron Emma Watson y Miles Teller aunque finalmente se cayeron del proyecto pero sin duda el cambio fue más que positivo. Curiosamente, Ryan Gosling trabajó varios meses para aprender a tocar el piano, como su personaje; Damien Chazelle aseguró que nunca había visto tanta dedicación por parte de unos actores. Igual las referencias de la película son evidentes: Cantando bajo la lluvia, Grease o West Side Story pero el director también destacó una película fundamental que le influyó de una forma especial: Los paraguas de Cherburgo, el musical francés dirigido por Jacques Demy en 1963. Durante la gala de los Oscar, La La Land ganó, de 14 nominaciones, seis estatuillas: director, mejor actriz, banda sonora, canción (City of Stars), diseño de producción y fotografía.

 

  • El gran Showman (Michael Gracey, 2017)

Hugh Jackman, el protagonista de El gran Showman (2017), llevaba desde 2009 soñando con hacer realidad este biopic sobre la figura de Phineas Taylor Barnum, un importante empresario circense en Estados Unidos. Al final a Fox le interesó el proyecto, después de nueve años intentando que el proyecto, de un musical original, gustase a algún estudio, y se lo encargó al director de publicidad Michael Gracey. Hugh Jackman se leyó varios libros sobre P.T. Barnum para adentrarse lo mejor posible en el papel. En los Oscar estuvo nominada a mejor canción, This Is Me, y en los Globos de Oro ganó en esa misma categoría. La película fue un absoluto éxito: de un presupuesto de 84 millones recaudó 420 millones de dólares.

No te olvides de poner Canal Hollywood este martes 14 a las 22:00h y disfrutar con uno de los musicales más clásicos de la historia: Cantando bajo la lluvia.

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